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Escalas de Jazz II – Escalas Bebop

Mientras aprendemos a tocar con las escalas mayores, las escalas menores melódicas y todos los arpegios que necesitamos para viajar por los caminos del jazz, hay una escala que puede ser la herramienta más importante para nuestras improvisaciones, la Escala Bebop. 
Si hay una escala que define el sonido del jazz por excelencia, esa es la Escala Bebop. Esta escala, y sus variantes, han sido utilizadas por la inmensa mayoría de los músicos de jazz de los últimos 100 años, músicos como Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Pat Martino, Bud Powell o Johnny Smith, entre otros. Por lo tanto, es una escala fundamental a la hora de aprender a tocar jazz.

A continuación veremos una a una cada Escala Bebop, cómo se construyen y cómo se pueden aplicar a nuestras improvisaciones.
ESCALA BEBOP DOMINANTE (Dominant Bebop Scale)
Tiene 8 notas, y está basada en el modo Mixolidio al que le añadimos un cromatismo entre la séptima y la tónica.
La disposición sería la siguiente:
Tónica – 2ªM – 3ªM – 4ªJ – 5ªJ – 6ªM – 7ªm – 7ªM – Tónica
Como la Escala Bebop Dominante está estrechamente relacionada con el modo Mixolidio, podemos utilizarla en nuestros solos sobre cualquier acorde de séptima de dominante.
ESCALA BEBOP MAYOR (Major Bebop Scale)

Tiene 8 notas, y está basada en el modo Jónico al que le añadimos un cromatismo entre la quinta y la sexta notas de la escala.
La disposición sería la siguiente:
Tónica – 2ªM – 3ªM – 4ªJ – 5ªJ – 5ªAum. – 6ªM – 7ªM – Tónica
Como la Escala Bebop Mayor está estrechamente relacionada con el modo Jónico, podemos utilizarla en nuestros solos sobre cualquier acorde de séptima mayor.
ESCALA BEBOP MENOR (Minor Bebop Scale)
Tiene 8 notas, y está basada en el modo Dórico al que le añadimos un cromatismo entre la séptima y la tónica.
La disposición sería la siguiente:
Tónica – 2ªM – 3ªm – 4ªJ – 5ªJ – 6ªM – 7ªm – 7ªM – Tónica

Como la Escala Bebop Menor está estrechamente relacionada con el modo Dórico, podemos utilizarla en nuestros solos sobre cualquier acorde menor de séptima.

ESCALA BEBOP DOMINANTE ALTERADA (Altered Dominant Bebop Scale)
Antes de empezar a trabajar con esta escala es muy importante que hayamos trabajado las tres escalas anteriores. Cada escala necesita mucho tiempo de práctica y no debemos tener prisa en querer saber más y más escalas.
Si ya lo hemos hecho, entonces estamos listos para agregar un nuevo sonido a nuestra colección de Escalas Bebop.
Esta escala, al igual que el resto de escalas Bebop, tiene 8 notas, y está basada en el modo Frigio #3 (5º modo de la Escala Menor Armónica) al que le añadimos un cromatismo entre la séptima y la tónica.
La disposición sería la siguiente:
Tónica – 9ªm – 3ªM – 11ªJ – 5ªJ – 13ªm – 7ªm – 7ªM – Tónica

Prestemos especial atención a cómo la escala utiliza las notas de paso cromáticas que caracterizan la Escala Bebop, así como el perfil de las notas importantes de los acordes alterados, la 9ªm, 3ªM, 13ªm y 7ªm.

Podemos utilizar esta escala para improvisar sobre IIm7 y/o el acorde V7alt en una progresión menor II-V-I
Pondremos un ejemplo tomando G como Tónica.

Podríamos utilizar esta escala para practicar solos sobre G7alt. En la progresión II-V-I menor, podríamos usarla sobre Dm7b5 (II) y/o G7alt (V).

El PDF completo de Escalas de Jazz I y II podéis descargarlo desde aquí abajo.

Escalas de Jazz I – Escalas Modales y Blues

Las escalas son uno de los recursos musicales más importantes. Nos proporcionan conocimientos teóricos acerca de la disposición de las notas en un discurso musical y son una parte esencial en la interpretación, improvisación y composición. 
A continuación os presento algunas de las escalas más utilizadas en el jazz.
  • Escalas Modales
  • Escalas de Blues
  • Escalas Bebop
ESCALAS MODALES 
Provienen de los modos gregorianos y se forman comenzando por cada una de las notas de la escala mayor diatónica, obteniendo así las 7 escalas. 

Jónica

Dórica

Frigia

Lidia

Mixolidia

Eólica

Locria

ESCALAS DE BLUES
La escala de blues, ya sea mayor o menor, es una de las escalas más utilizadas en la música moderna, y por lo general es la primera escala que la mayoría aprendemos cuando nos aventuramos en el mundo de la improvisación y de los solos. Cada escala de blues tiene un sonido propio, pero ambas están estrechamente relacionadas. La principal diferencia entre las dos es cómo y cuándo las usamos.
La escala menor de blues es más versátil que la mayor. La podemos utilizar con cualquier acorde de séptima mayor, séptima de dominante y acordes menores de séptima, así como en todos los acordes de una progresión de Blues. Sin embargo, la escala mayor sólo la podemos utilizar con un acorde cada vez. Por ejemplo, si tenemos un acorde C7, podemos tocar la escala de blues de do mayor, pero cuando el acorde cambia a F7, como en un Blues en C, debemos cambiar a la escala de blues Fa mayor. Como vemos, es un poco más difícil de aplicar a los solos.
Escala mayor de Blues




Escala Menor de Blues

Creando Frases de Jazz

Las frases de jazz moderno se componen frecuentemente de una combinación de dos a tres elementos que consisten en lo siguiente:

• Pasajes basados en una escala.

• Arpegios e intervalos armónicos.

• Notas auxiliares (notas vecinas, notas de paso y giros).
Los pasajes basados en una escala consisten normalmente de grupos (estructuras) de cuatro notas, los cuales pueden ser consecutivos o contener un salto (Fig.1).

Fig. 1

Estas estructuras o grupos se pueden transportar modalmente a los diferentes grados de la escala (Fig. 2), reinterpretar desde un punto de vista modal (Fig. 3), variar modificando la dirección, el orden de las notas o cambiando su altura interválica (invirtiendo), o combinando cualquiera de los conceptos anteriores.
Fig. 2


Fig. 3



Fig. 4

Los arpegios son generalmente tríadas, tétradas y sus extensiones interpretadas desde la tónica (Fig. 5). Las variaciones a las que están expuestas son las mismas que suceden en los pasajes de las escalas.

Fig. 5

Las notas auxiliares en jazz se reducen generalmente a notas de paso, notas vecinas, y giros. Las notas de paso permiten conectar dos notas reales. Las notas vecinas se mueven en dirección a una nota específica por semitono, tanto ascendente como descendentemente, las cuales suelen aparecer juntas (Fig. 6). Es recurso frecuentemente usado en las frases de be bop es el de varias notas de paso sucesivas para conectar dos notas de un mismo acorde (Fig. 7). Los giros son similares a las notas vecinas, pero incluyen también la nota principal que se está ornamentando (Fig. 8).

Fig. 6



Fig. 7




Fig. 8

Para ganar control combinando estos elementos y expandir el vocabulario, una técnica recomendable es tema y variaciones. En un contexto jazzístico esto significa tomar una parte de una frase como fija y variar el resto. Esto permite adquirir variedad en el desarrollo de las ideas, lo cual ayuda a mantener el interés tanto del músico como del oyente. A continuación aparecen varios ejemplos de II – V – I que siguen este enfoque. Todos los ejemplos están en el tono de C mayor. El alumno necesitará transportar las frases a otras tonalidades. Los primeros cuatro ejemplos son frases de II – V de un compás de duración, mientras que el último es dos compases. La Figura 9 utiliza un pasaje de la escala de Dm, seguido de la triada de E en 1ª inversión sobre G7, terminando con notas vecinas (nv).

Fig. 9



Fig. 10

La Figura 11 utiliza un arpegio de A♭m(Δ7) sobre G7.

Fig. 11

La Figura 12 utiliza un arpegio de Dm7 seguido de un fragmento de la escala de G alterado.

Fig. 12

La Figura 13 comienza con un pasaje de la escala seguida de un arpegio de Am7, continuando con un arpegio de A♭m9 sobre G7.

Fig. 13




*Artículo original en inglés “Creating Jazz Lines”de Jon Raney 

El PDF completo de este artículo podéis descargarlo desde aquí abajo.



Mauricio Pollini. Los Estudios de Chopin 52 años después.

¿Por qué hemos tenido que esperar más de cincuenta años para que escuchar esta grabación?

En 1960, justo después de ganar el primer premio en el Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin de Varsovia, Maurizio Pollini firmó un contrato en exclusiva con el sello discográfico EMI, cuyos frutos fueron la grabación del Primer Concierto de Chopin con la Orquesta Philharmonia (abril de 1960), y una segunda grabación con los 24 estudios del compositor polaco (septiembre de 1960). El concierto se publicó con gran éxito y sigue siendo hoy una referencia, sin embargo, y por motivos que se desconocen, Pollini se negó en redondo a que se publicara la grabación de los estudios de Chopin, realizada en los estudios Abbey Road de Londres.
Pollini tenía entonces 18 años, y faltaban aún doce años para que volviera a grabar los estudios, para Deutsche Grammophon, con una grabación que se convertiría en referencia del pianismo del siglo XX.
Ambas grabaciones guardan muchas similitudes. Sin embargo, la primera, ahora recuperada, se caracteriza por un toque más ligero, mayor frescura, ímpetu y una mayor libertad musical. El mismo virtuosismo perfecto, el mismo artista, pero sin el peso de su propio nombre y sin la guía de Arturo Benedetti Michelangeli, con quien comenzaría a trabajar muy poco después.
Los tempos de ambas versiones son prácticamente idénticos, aunque en los estudios lentos (como los  números 3 y 6 de la  Op. 10, y 7 y 22 de la Op. 25) ralentiza la expresión y se regodea aún más, si cabe, en su belleza melódica. El uso del pedal es también más comedido, lo que incide en una sonoridad más nítida y directa. Se trata, en definitiva, de una versión más espontánea y libre y, quizás, más cómplice con el estilo del Chopin veinteañero que compone los estudios. En cualquier caso, es Pollini en estado puro.
Un fragmento de cada estudio lo podemos escuchar aquí.
¡Disfrutadlo!

POST DE VIDEO

¿Cómo educar?

Descubierta Nueva Pieza para Piano de Johannes Brahms

El pasado 21 de enero la emisora británica Radio 3 en su programa Music Matters presentó el descubrimiento oficial y la primera interpretación en Europa de una pequeña obra para piano, inédita hasta la fecha, del compositor alemán Johannes Brahms. Se trata de una pequeña pieza de poco más de 2 minutos de duración llamada “Albumblatt en La menor” que fue compuesta en 1853 (cuando Brahms tenía sólo 20 años) y cuya primera interpretación se la debemos al célebre pianista húngaro Andras Schiff.
La pieza, que ya muestra con claridad las características del estilo brahmsiano, utiliza el mismo material musical que en el segundo movimiento del Trio para Trompa Op. 40, compuesto 12 años más tarde.
La obra fue descubierta en abril del pasado año por la casa de subastas Doyle de New York, cuando Michael Struck pidió la verificación de un libro que se iba a subastar, el “Album Amicorum of Arnold Wehner”. Arnold Wehner fue Director de Música de la Universidad Gottingen entre 1846 y1855. En su Álbum aparecen fragmentos musicales y citas de los más célebres compositores y músicos de su época, incluídos Brahms, Robert y Clara Schumann, Mendelssohn, Rossini y Liszt.
Aquí tenéis en PDF la  partitura para piano.

Y si pinchais sobre la imagen de abajo tendreis una copia escaneada del original.

Y por último, la grabación realizada por Andras Schiff. ¡Disfrutad de esta pequeña joya!

Mussorgsky – Cuadros de una Exposición

El pasado 28 de marzo, se conmemoró el 130 aniversario de la muerte de Modest Petróvich Mussorgsky (1839-1881) y, desde aquí, lo vamos a recordar con una de sus obras más famosas, Cuadros de una exposición.
Se trata de un conjunto de diez piezas compuestas originalmente para piano, aunque probablemente sea más conocida la versión para orquesta hecha por Ravel. Mussorgsky compuso esta obra inspirado por la exposición póstuma de diez pinturas y escritos de su gran amigo, el artista y arquitecto Viktor Alexandrovich Hartmann, quien había muerto a los 39 años de edad. Como homenaje a él, Mussorgsky quiso “dibujar en música”, algunos de los cuadros allí expuestos.

Los Cuadros:
Promenade (Paseo. Se oye en el inicio y luego a lo largo de la pieza, mientras el visitante de la exposición va de cuadro en cuadro)
1: Gnomus (Gnomo)
2: The Old Castle (El viejo castillo)
3: Tuileries (Tullerías)
4: The Oxcart [Bydlo] (Las Carretas)
5: Ballet of the Chicks in their Shells (Ballet de polluelos en sus cáscaras)
6: Samuel Goldemberg and Schmuyle (Dos judíos polacos, uno rico, el otro pobre)
7: The Market Place in Limoges (El mercado de Limoges)
8: Catacombs (Catacumbas)
9: The Hut on Fowl´s Legs (La cabaña sobre patas de gallina)
10: The Great Gate of Kiev (La Gran Puerta de Kiev)
Aquí tenéis en PDF la partitura para piano.
Y un video… Muchos grandes pianistas han hecho grabaciones de esta obra. Desde que hace 9 o 10 años compré su disco, mi preferido, hasta hace poco tiempo, ha sido el genial Evgeny Kissin. ¡Sí!, digo hasta hace poco tiempo porque he descubierto otra versión que me ha cambiado la forma de pensar respecto a esta obra (o quizás he cambiado yo, diez años son diez años, je je). Se trata de la versión tocada por Mikhail Pletnev.
Aunque, personalmente, admiro el pianismo de Kissin, en esta obra prefiero la versión de Pletnev. Sin duda alguna, la versión de Kissin es deslumbrante, pero Pletnev evoca un tiempo, un lugar, un estado de ánimo y un personaje que es más real que el de Kissin. No sé cómo explicarlo, es algo puramente emocional, pero, al fin y al cabo, la música es eso, ¿no?
Bueno, aquí tenéis la obra completa por Mikhail Pletnev. ¡Disfrutadla!

¡Feliz 255 Cumpleaños, Mozart!

El pasado 25 de enero se celebró el 255 aniversario del nacimiento de Wolfgang Amadeus Mozart. Aunque con un poco de retraso, lo vamos a celebrar con un pequeño regalo, un facsímil de una de sus primeras piezas, el minuetto en Sol M, KV 1.



… y además un enlace muy interesante:

Mozart’s Thematic Catalogue

Este manuscrito es un registro de las composiciones de los últimos siete años de la vida de Mozart, y por lo tanto es un documento de singular importancia.
Durante este período, desde febrero de 1784 hasta diciembre de 1791, compuso muchas de sus obras más conocidas, incluyendo sus cinco óperas de madurez, varias de sus mejores sonatas para piano, y sus tres últimas grandes sinfonías, así como otras famosas obras menores. Fue una época turbulenta de su vida, con la crisis financiera, la tragedia de su familia, y su constante e infructuosa búsqueda de una posición permanente en la corte.
Mozart organizó las entradas en el catálogo en el orden en que habían sido terminadas. En las páginas de la izquierda introdujo cinco composiciones, cada una con su fecha, título, y a menudo su instrumentación. A veces añadía información adicional como el nombre del cantante, donde fue compuesta, o quien había encargado la obra. Dividió la página de la derecha en cinco pares de pentagramas en los que escribió los primeros compases de cada obra.
Según la descripción que figura en la portada, Mozart tenía previsto incluir todas sus composiciones, pero hay algunas omisiones de poca importancia. Curiosamente, también hay entradas en el catálogo de una serie de obras que desde entonces se han perdido.
Mozart hizo su última entrada en el catálogo apenas tres semanas antes de su prematura muerte, en diciembre de 1791. Su última gran obra, el réquiem, no lo introdujo, ya que quedó inacabado a su muerte.

Año Liszt

Bach constituye los cimientos de la forma de tocar el piano, y Liszt la cumbre. Los dos hacen posible la interpretación de Beethoven” (F. Busoni).
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El 22 de octubre de este año se cumplirá el bicentenario del nacimiento de este genial pianista, compositor, precursor e innovador.
Franz Liszt (1811-1886) es el realizador de la revolución pianística iniciada por Chopin. Liszt saca al piano de los salones para llevarlo a los grandes escenarios, sin perder las conquistas en el campo de la poesía y del cantabile de Chopin. Es el inventor del recital solista y entre las muchas facetas que abarcó, destacan la de pianista, compositor, director de orquesta, crítico musical, profesor y abad.
Su técnica virtuosística y su manera de abordar el instrumento deslumbraba incluso a quienes no congeniaban con él (Mendelsshon, Clara Wieck, Chopin…). Su música se distingue por el exhibicionismo, los efectos calculados, la resolución triunfal de enormes dificultades técnicas, todo para asombrar.
Liszt fue el pianista más influyente del siglo XIX, y una de las personalidades más importantes de su tiempo. Se le considera, además, como uno de los pioneros de la “música programática“, que trata de evocar ideas, imágenes extramusicales o estados de ánimo. Fue uno de los innovadores de la armonía del siglo XIX, sobre todo en el uso de complicados acordes cromáticos. Su virtuosismo, su técnica compositiva y sus armonías cromáticas influirán en todos los compositories posteriores a él
El Año Liszt fue inaugurado oficialmente el 22 de enero, Día de la Cultura Magiar, con un concierto de la Filarmónica Nacional de Hungría, en colaboración con el afamado pianista húngaro Zoltán Kocsis. Se prevé que durante todo este año, tanto en su Hungría natal, como en muchos países de todo mundo se celebrará por todo lo alto este cumpleaños con conciertos, recitales de piano, exposiciones, conferencias, etc.
El catálogo completo de su obra se puede encontrar aquí:
Y para terminar, aquí teneis en PDF un facsímil de una Rapsodia Húngara de Liszt